La scultura interattiva creata da Larose Guyon per l’hotel EMC2 di Chicago rappresenta un’affascinante sintesi fra arte e scienza.
Si tratta di un macchinario ad ingranaggi che si ispira allo zootropo, una invenzione che contribuì alla nascita del cinema.
Lo zootropo era una specie di “giocattolo ottico” che fu ideato nel 1834 da William George Horner e da Austrian Stampfer.
copper-in-motion_Larose-Guyon_EMC2-Hotel_Chicago from Félix Guyon on Vimeo.
Per mettere in movimento la scultura, occorre girare una manovella che nella forma ricorda un fiore di pizzo.
Attraverso un sistema di ingranaggi, il moto viene trasmesso ad una grande ruota sulla quale sono posizionate 44 coppie di ali realizzate in rame tagliato al laser.
Guardando dentro l’obiettivo si assiste al movimento delle ali che battono leggere, una visione poetica e romantica dove la materia, prima fredda e inerte, prende vita.
Nonostante tutte le componenti meccaniche della macchina siano in vista, solo guardandola è impossibile intuire qual è la sua funzione.
Questo fattore, insieme alla grande complessità di tutto il meccanismo, crea un alone di mistero molto intrigante.
la celebrazione della bellezza della natura attraverso il volo degli uccelli, un’immagine che da sempre è simbolo di libertà;
la bellezza estetica dei materiali e delle forme, valorizzati dal saper fare dell’artigiano;
la bellezza della macchina di per sé, un tema che richiama uno dei principi fondamentali del movimento Futurista (la macchina in quanto simbolo della modernità, del rinnovamento e delle trasformazioni sociali).
La scultura di Larose Guyon è anche un omaggio all’ingegno dell’uomo ma può essere anche uno spunto di riflessione sul fatto che il progresso scientifico deve rispettare la natura.
Il brand Larose Guyon è stato fondato da Audrée L. Larose e Félix Guyon a Verchères, un villaggio vicino a Montreal in Canada.
Larose Guyon progetta e realizza in collaborazione con artigiani selezionati delle lampade molto sofisticate ed eleganti.
Il brand canadese si prefigge di ricercare l’armonia nell’utilizzo dei materiali di lusso attraverso una grande sobrietà formale per creare oggetti di alta gamma, originali, distintivi e curati nei minimi dettagli.
“…Attraverso un’estetica romantica, contaminiamo la vita quotidiana con la bellezza poetica di oggetti di lusso creati con passione e umiltà.” spiegano i due designer.
Scultura in movimento creata da Larose Guyon
L’installazione 1.625 m / s2 del designer Hiroto Yoshizoe si ispira alla luna.
Il satellite che orbita intorno alla terra, ritenuto fin dall’antichità capace di influenzare la natura e l’uomo, ha sempre avuto un fascino particolare.
Come la luna che non risplende di luce propria ma la riceve dal sole, anche la scultura aerea di Hiroto Yoshizoe non è luminosa ma illuminata.
Infatti gli elementi sospesi alle sottili bacchette ricevono la luce da una fonte luminosa posta nei pressi dell’installazione.
Nella scultura illuminata di Hiroto Yoshizoe, ogni elemento ruota secondo una propria orbita:
quando la luce ne colpisce la parte bianca, l’oggetto riflette e diventa visibile, quando invece ad essere colpita è la parte nera, l’oggetto scompare alla vista.
A seconda della posizione delle forme, le riflessioni cambiano costantemente creando un effetto molto suggestivo che assomiglia ad un sistema stellare.
Posizionata vicino a una finestra o a una lampada, la scultura eterea di Hiroto Yoshizoe diventa un oggetto decorativo animato.
L’alternativo “apparecchio di illuminazione” esplora il processo di visualizzazione della luce attraverso l’osservazione della relazione fra luce e ombre.
L’installazione 1.625 m / s2 è stata esposta al Salone Satellite, la sezione del Salone del Mobile di Milano dedicata ai talenti emergenti.
1.625 m/s2 ( moon, sun ) from IN/AWT on Vimeo.
Hiroto Yoshizoe ha studiato alla Musashino Art University. Attualmente a Tokyo si dedica all’art direction e al design nella realizzazione di spazi commerciali.
Nei suoi progetti, il designer esplora i concetti di “tempo”, “movimento” e “cambiamento”.
La scultura “illuminata” di Hiroto Yoshizoe
La paper art di Asya Kozina rende omaggio alla bellezza estetica dirompente dell’epoca barocca. L’artista russa ricrea con la carta le acconciature delle parrucche delle nobildonne che popolavano le corti reali nel 17° secolo. Il lusso sfrenato della moda di quel periodo storico viene ricreato con un materiale “povero” come la carta mettendone in luce tutta la sua nobiltà.
Guardando questi bellissimi ritratti fotografici scattati dalla fotografa Anastasia Andreeva è difficile non rimanere a bocca aperta: con una eccezionale abilità manuale e con una pazienza certosina, Asya Kozina riproduce nei minimi dettagli le parrucche monumentali e le magnifiche gorgiere utilizzando semplici fogli bianchi tagliati e piegati. La cura dei dettagli è impressionante e il risultato sono delle vere e proprie sculture fatte di riccioli, pizzi, foglie, fiori e oggetti dal sapore onirico come gli antichi velieri. In un’epoca come quella attuale dominata dalla tecnologia dei computer e delle stampanti 3D, l’arte di carta di Asya Kozina mette invece in primo piano la decorazione fine a se stessa e la passione per il fatto a mano.
Eliana R. Arenas crea i suoi gioielli utilizzando materiali non convenzionali. In particolare le creazioni che mostriamo in queste foto, più che gioielli, sono delle “sculture da indossare” che quasi sovrastano la figura di chi le indossa, una vera e propria esplosione di forme e di colori che sono gioia per gli occhi. Eliana R. Arenas ha studiato le tecniche di lavorazione dei metalli, design del gioiello e graphic design negli Stati Uniti e alcuni dei suoi pezzi fanno parte della collezione permanente del Museum of Contemporary Craft di Portland.
Per dimensione, volume, peso e portabilità le realizzazioni dell’artista americana Marjorie Schick non possono certo essere definite “gioielli” nell’accezione comune del termine. Sono piuttosto delle sculture/ornamento tridimensionali che sovrastano la persona che li indossa facendola diventare essa stessa parte della scultura. Rispetto ai normali gioielli, in questo caso la forma cambia completamente la funzione: le costruzioni astratte e molto complesse si dilatano nello spazio circostante e mutano le proporzioni della figura umana modificando la postura e condizionando il movimento. La persona interagisce con l’opera d’arte diventando una scultura vivente che fa da “sfondo” all’opera stessa. Le realizzazioni, fatte con materiali leggeri come il papier-maché, il filo d’acciaio e il compensato, sono composte da forme geometriche il cui ritmo è evidenziato dal contrasto di colori vivaci e brillanti. Il lavoro di Marjorie Schick si inserisce negli anni ’60, quando l’approccio ai gioielli fu rivoluzionato e i materiali tradizionali, le tecniche e i significati sociali dei gioielli occidentali vennero messi in discussione. Le opere d’arte di questa artista creano un impatto e una tensione visiva fra oggetto decorativo e corpo umano che sprigionano grande energia.
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